El genio Steven Wilson, en entrevista exclusiva con SEMANA: “The Overview es una película para los oídos”

Steven Wilson, uno de los tipos más ocupados en la industria musical durante los últimos 20 años, ha adquirido un estatus de culto por sus notables logros, pero ahora sale del nicho para impactar al mundo. El británico modelo 67 no solo es un virtuoso de la música, que compone desde los noventa y que ha consignado en su proyecto en solitario y en agrupaciones como la aclamada Porcupine Tree, que fundó y con la que algún día “volverán a hacer música”; también la mezcla y la despliega en el plano sonoro como un maestro.

Este autodidacta se ha convertido en una fuerza creativa gracias a su inagotable cacharreo desde la producción e ingeniería, y desde ambos lados de la cabina de grabación. Porque no solo aporta sus notables composiciones a la cultura popular, también eleva otras de artistas clásicos. Experto en la tecnología Dolby y en espectros sonoros, Wilson hace mezclas por encargo de discos esenciales de los años setenta y ochenta, entre los cuales hay trabajos de King Crimson (la banda favorita de su banda favorita, parte de la cual visita Colombia), de The Who, de Yes y un disco tatuado en el inconsciente colectivo como Songs From the Big Chair, de Tears for Fears. A todos esos trabajos Wilson les da una segunda vida en su mezcla en estéreo y en 5.1 surround, que nace del total aprecio. Por algo lo buscan estas agrupaciones y por algo acepta. “No asumo estos trabajos a menos que ame la música, o sienta que puedo aprender a amarla”, dice.

Ahora que lanza su octavo álbum en solitario, The Overview, en el que propone una experiencia que contrasta los pequeños eventos cotidianos de la humanidad con sucesos cósmicos masivos, Wilson habló en exclusiva con SEMANA. Contestó desde su frío estudio, desde donde compartió su visión y su franqueza.

¿Sabe algo de Colombia? Con inesperada candidez, Wilson acepta que no conoce más que su producción de cocaína, pero anota que es “consciente de que el país es mucho más que eso”. Y que espera visitarlo. Antes de abordar su trabajo más reciente, lo consultamos sobre el suceso que para él ha marcado la música de los últimos 30 años. “El desarrollo de la tecnología computarizada ha hecho de la música un arte potencialmente más creativo. No ha habido un momento como este en la historia de la música, con tantas maneras disponibles de procesar o de darle un giro al arte. Y eso debería ser muy emocionante, porque lo es, pero tristemente la música estos días suena genérica. No se están aprovechando estas posibilidades que vienen con las nuevas tecnologías”, afirma.

Steven cuenta que creció “en los ochenta, y en los noventa comencé a lanzar música en serio. Me formé en la era de la grabación digital, de la creación y grabación por computador. Y la adoro, no podría hacer mi música sin ella, pero, a la vez, me fascina lo que aportan los equipos análogos antiguos. Y por eso en The Overview también escucharás piano Fender Rhodes, piano, melotrón, guitarras acústicas, coros notables, guitarras eléctricas. Es decir, escucharás todos los sonidos de la era clásica del rock, pero también mucho de lo más moderno que la tecnología ofrece”.

Es un momento complejo para la música, pero mucha música valiosa se hace; para la muestra, este disco. ¿Algo lo impacta de lo que suena estos días? “No realmente”, responde. “La mayoría de mi ADN musical viene de artistas que me marcaron cuando era joven: Pink Floyd, Kate Bush, David Bowie. Y aun sabiendo que ellos están engranados profundamente en mi ADN musical, trato de no cohibirme. Por eso, The Overview toma de muchas fuentes: la electrónica, el ambient, el progresivo vieja escuela, el metal e incluso el pop. Y la única razón por la que funciona es porque no lo sobreanalizo. Si trato de intelectualizarlo, me comienzo a decir: ‘¡No puedes combinar eso!’”.

Desde la temática, el álbum (que viene acompañado de una película) aborda el llamado efecto perspectiva. El músico anota que es lo que experimentan los astronautas al ver la Tierra desde el espacio exterior. “Es muy interesante como tema, porque algunos tienen una reacción muy positiva y otros una muy negativa. Y mucho depende de la persona que eres. Si eres alguien muy religioso, quizá el overview effect te haga reevaluar tu concepto de Dios, ante la ciencia en su forma más pura. Es una muestra del caos y de la enormidad que hay en el universo, en el cosmos. Me atrajeron mucho esos extremos en las reacciones al efecto perspectiva, y creo que reflejan lo que vemos en redes sociales. La gente reacciona en términos de blanco y negro”.

Una de sus grandes influencias, Pink Floyd, incursionó en el álbum conceptual con todo éxito, pero a él, ¿saber dónde apuntar le hizo el proceso más llevadero o más difícil? Para Steven, tener una idea tan fuerte y clara se sintió extraño. “En este caso tenía no solo el título, también el concepto entero antes de escribir una palabra o una nota. Ojalá siempre fuera así. Usualmente, hago música “en la oscuridad”, sin dirección, escribiendo canciones sin saber cómo van a engranarse o cómo van a encajar entre ellas. Y en algún punto de ese proceso se manifiesta un tema que todo lo cohesiona, y solo ahí entiendo lo que estoy haciendo”. En esta oportunidad, diametralmente opuesta, “no fue fácil, pero se hizo más fácil con una dirección marcada. En mi cabeza escuché este disco y entendí que sería un continuum musical. Tocar el efecto perspectiva exigía un viaje musical a lo largo de sus 40 minutos. Y antes de componer, también decidí que sería un disco al estilo de los viejos vinilos, con dos secuencias musicales de 20 minutos. Esto se relaciona con lo que hablábamos antes: conectar nuevas producciones con viejas maneras. Y obedece a cómo me relacioné con la música de niño, con 20 minutos en cada cara del disco, ¡clásico!”. Wilson piensa el álbum “como una película para los oídos, y en ese sentido tiene escenas también”.

Son tiempos turbulentos para la industria musical, en los que Spotify amplifica mundialmente, pero les paga a los músicos lo menos posible y trata a su música como “contenido”. Al respecto, Wilson enfatiza en que hay que proveer la alternativa. “Es curioso, porque en la música siempre se menciona esta noción de ‘música alternativa’. Cuando yo era un niño en los ochenta, la música alternativa era The Cure, The Smiths, Cocteau Twins. Luego, en los noventa, la música alternativa eran Nirvana y sus contemporáneos (y hay ironía en llamar alternativa a una de las bandas más grandes del planeta en ese momento). Mi punto es que siempre hay un lugar para darle una alternativa a la gente que no quiere lo que ofrece el mainstream. Spotify es eso en este momento. Es un epítome del mainstream, que reduce a la música a una especie de playlist. Hay una mentalidad de reducir la música para vivirla y experimentarla en pedacitos cortos. TikTok es aún peor, tomando –por mucho– 15 segundos. Es absurdo.

Y digo: nunca subestimes a quien escucha. Cientos de miles de personas van todas las noches de la semana a un cine y se sientan y conectan con una pieza de arte. Lo hacen durante 90 minutos, o dos horas, o más, sin perder concentración, sin ver su email. Se sientan y ven una película por dos horas. ¿Por qué hemos olvidado hacer lo mismo con la música? Mi filosofía es proveer la alternativa. Y aquí estoy. Hice un disco, que propone una pieza musical continua de 40 minutos, diseñada para que te concentres, te involucres. Y si lo haces, ojalá disfrutes ese viaje. Esto es lo que podemos hacer, porque mientras más cosas así suenan, más oportunidad hay para la gente de descubrir otras opciones”.

Bonus Tracks: sobre The Overview, sobre Porcupine y más

SEMANA: Se le considera un explorador sonoro, ¿qué desarrollo cree que predominó en la creación de The Overview?

S.W.: Es difícil responder esa pregunta, porque no soy consciente de lo que hago mientras lo hago (disculpas si suena a excusa). Lo cierto es que estoy poniendo en juego muchos aspectos de mi personalidad musical. Y sobre esa personalidad, diré que ya atravieso mis 50 y que llevo escuchando y absorbiendo música por décadas. Técnicamente, sé que podría nombrarte algunos plugins que adoré usar, pero creo que la pregunta iba más hacia el proceso creativo. Para mí, se trata de tener estos recursos a mi disposición y poder pintar en muchos colores increíbles sin pensarlo demasiado.

SEMANA: Hay un poderoso aspecto visual ligado al álbum, una película que lo acompaña. ¿Se podrá ver en el mundo?

S.W.: Estoy seguro de que así será. Por ahora, suceden dos cosas: organizo eventos en los que se proyecta el filme junto con la versión Dolby Atmos del álbum (*Wilson es un experto de este plano) e integro este aspecto visual al show en vivo. Y si bien no hay shows programados en Colombia, adoraría poderlos visitar. En un tiempo prudente, seguramente lanzaremos apartes de la película, y hablando desde el deseo, sin haberlo definido con mi management, pienso que sería genial compartir un Blu-ray del show en vivo.

SEMANA: Entrando al álbum, remitiéndonos a ese primer track de 20 minutos, cuéntenos del segmento espeluznante que une “Objects Meanwhile”, “The Cicerones Ark” y “Cosmic Sons of Toil”.

S.W.: Pienso en el álbum como una pieza análoga con la película. Es una película para los oídos, y en ese sentido tiene escenas también. Estas piezas que mencionas corresponden a escenas. Y si bien los personajes son los mismos en las escenas, lo que experimentan es distinto. “Objects Meanwhile” era un intento por crear música que contrastara dos aspectos. Por un lado, la vida diaria de la gente común, en algún pueblo pequeño de Inglaterra o de otro lugar del mundo: el esposo siendo infiel a su mujer, una enfermera trabajando en un hogar de ancianos, un joven empezando su primer día de trabajo, estas imágenes de gente común en yuxtaposición con masivos fenómenos cósmicos: hoyos negros implosionando, estrellas muriendo, nébulas en pique. Se trata de destacar las cosas más comunes con las más descomunales, y, ojalá, de darnos a todos un poco de perspectiva sobre el lugar que ocupa la Tierra en este universo. Y por extensión misma, también mirar al lugar de raza humana en este universo, ¡que es minúsculo!

SEMANA: ¿Cuál es el punto del álbum que más lo enorgullece?

S.W.: Estoy orgulloso de todo el trabajo, sin dudas. Para mí es como mirar a la película y decir que me gusta toda. Me gusta la manera en la que fluye y se despliega. Me gusta como captura a quien lo escucha. En términos específicos, me gustan mucho las secciones corales, en las que voy construyendo con capas y capas y más capas de voces. Especialmente en la primera mitad. Se nota mucho en “The Buddha of the Modern Age” y en “Ark”. La idea es alcanzar un pico de intensidad, mantener vivo el sentido del momentum, viajar por el espacio a velocidades más y más elevadas. Ese aspecto me gusta mucho, así como el inicio de la segunda mitad también, la “lección de ciencia”, que funciona hermosamente.

SEMANA: Sobre Porcupine Tree, una banda que lideró siempre y la gente aprecia muchísimo, ¿qué nos puede decir?

S.W.: Nos reunimos hace un par de años, hicimos un nuevo disco, tocamos unos shows y la pasamos genial, pero ya no puedo imaginar un escenario en el que la banda sea más importante para mí que mi carrera en solitario. Si lo analizo, creo que obedece a que me es difícil estar en una banda. Soy un control freak (una persona controladora). Porcupine Tree empezó como mi proyecto solitario y se volvió una banda, y hay aspectos mágicos de una banda, sin duda, pero creo que siempre estuve destinado a trabajar por mi cuenta; en control de la situación. Para bien y para mal, así me siento, y por eso mi carrera es mi enfoque principal ahora. Habiendo dicho esto, fue muy entretenido grabar ese disco con los muchachos y estoy seguro de que haremos más música juntos.

SEMANA: Craig Blundell ofrece geniales baterías en este álbum, y trabajó con Gavin Harrison en Porcupine. ¿Qué traen al ruedo estos maestros? ¿Cómo lo sorprenden?

S.W.: He sido un privilegiado en que, en la mayoría de mi carrera, he trabajado con músicos vastamente superiores a mí. Y creo que Frank Zappa dijo algo sobre la necesidad de “ser el peor músico en tu propia banda”. Hay algo especial sobre ser la persona que crea las ideas, el concepto, que es capaz de apoyarse y confiar en estos músicos increíbles. Mi banda es genial actualmente: Craig (batería), Adam Hoffman (teclados), Randy McStine (guitarras) y Nick Beggs (bajo). Son capaces de tocar todo lo que les lance en el camino, pero lo interesante es que también logran sorprenderme con detalles que no les pedí. Y ese es el gran gozo de la colaboración. Abrirse a la sorpresa, incluso en las interpretaciones de tus propias ideas. Los animo a hacerlo y a confrontar mis conceptos y mis ideas, de apropiarse de la música.

SEMANA: Enormes artistas (Yes, King Crimson, Tears for Fears) han confiado en usted para mezclar sus trabajos de aniversario. ¿Cómo se triunfa en un ejercicio de tanto peso?

S.W.: Todos los artistas con los que he trabajado son artistas que amo genuinamente. Y no emprendo estos trabajos a menos que ame la música, o sienta que puedo aprender a amarla (en un par de discos en los que trabajé, fue el caso). Si asumes estos proyectos desde el punto de vista de un músico, antes que desde el de un ingeniero, eso hace una diferencia. Traes algo distinto de lo que un técnico y un ingeniero pueden aportar. Yo soy músico y creo que estos artistas me buscan porque entiendo la tela y la magia de la música. No se trata de mezclar, de lograr un ejercicio técnico de mezcla, porque entiendo que hay algo mágico en la música.

Así que cuando mezclo a The Who, a Tears for Fears, soy un tipo que ama esa música, y así como pasa con mi música, no sobreanalizo lo que hago. Lo que me ha hecho exitoso en ese campo es que lo abordo desde la magia de un músico, no desde un ejercicio técnico.